CÓMO PINTAR CON ACUARELA

Soporte:

Para pintar con acuarela utilizaremos papel especial acuarela éste, es un papel prensado, con gran capacidad para absorber el agua al pintar. Elegir el papel adecuado es elección del artista. Los papeles pueden tener más o menos textura, también se mira el grosor del papel, cuanto más grueso más agua admitirá sin ondularse. El papel puede ser prensado en frío o en caliente.

Valoraremos las siguientes características antes de elegir el papel: capacidad de absorción, resistencia, grano, aguante a varias pasadas de pincel y a los raspados. El papel especial para acuarela de Gvarro (300gr) es perfecto para casi cualquier trabajo.

Pinturas:

Herramientas:

¨ Lápiz y goma: utilizaremos un lápiz medio-duro (HB, H1...) para dibujar muy fino sobre el papel antes de empezar a pintar. La goma debe ser lo menos grasa posible.

¨ Pinceles y brochas: Dependiendo del tamaño sobre el que vayamos a trabajar y de los detalles que vaya a tener el dibujo, elegiremos pinceles y brochas más o menos finos. Lo deseable es un pincel de cerda natural (de tamaño entre 8 / 12) redondo, capaz de "beber" bastante agua pero con una fina punta para poder pintar cómodamente. Lo deseable es tener unos cuantos pinceles para variar y utilizar según la necesidad.

¨ Paleta: La mayoría de las acuarelas traen incorporada su paleta. La paleta debe ser impermeable para impedir el paso del agua.

¨ Trapo y esponja: se utilizan para secar el pincel, para secar el papel y para algunos efectos como algunos degradados. No tienen por que ser trapos de tela, puede utilizarse papel de cocina.

¨ Agua y recipientes: Utilizaremos el agua para diluir los colores y para lavar los pinceles. Está bien tener un recipiente para coger agua para pintar y otro (más grande) para aclarar los pinceles.

¨ Cera blanca: La cera blanca se utiliza para hacer "reservas de blanco", el agua resbalará sobre la cera, es útil para detalles pequeños como brillos. No se debe abusar del uso de la cera blanca y si es posible no utilizarla. Existen líquidos especiales para ésta tarea.

¨ Tablero de madera y cinta de carrocero: para preparar el papel.

Conceptos

La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semi-transparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

Lavado: El color de la acuarela se puede aclarar y casi borrar pintando encima con agua y secando cuidadosamente el exceso con el trapo o con la esponja. Se pueden hacer lavados sobre húmedo y sobre seco, obteniendo efectos diferentes.

Veladura: es la forma de llamar a las finas capas semi-transparentes de pintura que iremos aplicando durante todo el proceso de creación de una acuarela. Mezclaremos una pincelada de pigmento (acuarela) con una pincelada de agua, hasta conseguir el tono deseado. Para lograr diferentes efectos dejaremos secar una capa antes de aplicar otra o aplicaremos sobre mojado.

Aguada: Color uniforme aplicado con mucha agua, de forma que no se noten los trazos de pincel. Se utiliza para pintar grandes superficies, normalmente dar la primera capa (veladura) de fondo (por ejemplo, un cielo).

Degradados: para hacer degradados con acuarela haremos un lavado, pintando con agua primero para humedecer el papel, después iremos aplicando veladuras de color poco a poco, siempre sobre mojado y con un pincel grueso.

Raspado: consiste en quitar pintura del papel "pintando" encima con el pincel seco y limpio. Sirve para borrar pero a diferencia del lavado, el raspado se hace con el pincel seco en lugar que diluyendo con agua. Hay que tener cuidado de no abusar de ésta técnica ya que se puede estropear el papel.

Formas de pintar

Húmedo sobre húmedo: Consiste en aplicar una aguada cuando la capa anterior sigue mojada, consiguiendo gran cantidad de matices (sobre todo si se utilizan dos colores diferentes). Se utiliza para crear ambientes para fondos. Es la más dificil de controlar ya que al pintar sobre mojado la pintura se mezcla y expande con facilidad. Hay que tener cuidado de no encharcar la hoja

Húmedo sobre seco: es la técnica más utilizada, consiste en aplicar una veladura una vez se ha secado la capa anterior: papel seco y pincel húmedo, diluido con pigmento. Ésta técnica es más lenta que el húmedo sobre húmedo, ya que se necesita esperar un poco a que se seque una capa antes de continuar pintando. Sirve para conseguir la superposición de veladuras transparentes. Es más fácil de controlar

Seco sobre húmedo: Conseguiremos efectos similares al húmedo sobre húmedo, pero con el pigmento del pincel mucho más puro.

Seco sobre seco: consiste en aplicar el color sobre el papel seco y el pincel con muy poca agua, pintando con color muy oscuro. Ésta técnica es para detalles y no se debe abusar de ella, ya que "empastaríamos" el dibujo y perderíamos el encanto de la acuarela, que consiste en la transparencia. Se utiliza para destacar detalles pequeños o alguna fina línea, o para crear texturas (haciendo una especie de "raspado" pero en lugar del pincel limpio, con pigmento). Es la más parecida al dibujo. Fácil de manejar aunque difícil de borrar.

Los principales tipos de pinturas

LA PINTURA, TIPOS

Las Principales Técnicas Utilizadas En La Realización De Una Obra Pictórica:

La preparación del material que incorpora el color: Desde la antigüedad, lo más importante de las técnicas de la pintura ha sido el medio, o médium líquido. Con él se mezclaban los pigmentos para fabricar los colores que son recogidos por el pincel lo más dócilmente posible la instrucción del cerebro y la mano del artista.
Dependiendo del material que utilice el artista, necesitará trabajar con técnicas específicas acordes con las capacidades y versatilidad que dichos materiales le ofrezcan.
Los tipos de pintura que más frecuentemente encontramos en la historia del arte son los siguientes:

La acuarela

La acuarela, en su forma más clásica y pura, usa colores en forma de pigmentos secos, hechos polvo y aglutinados por algo de goma en una oblea o pastilla. A estos se les aplica agua para diluirlos y recogerlos con el pincel para pintar sobre el papel.
En esta técnica los efectos de luz se obtienen por el blanco del fondo del papel sobre el que se realiza la obra, sin intervención alguna del pigmento blanco. Por ello, la calidad, porosidad y luminosidad del papel son de gran importancia en esta técnica pictórica.

El pastel

En la técnica de pintura al pastel se aplica manualmente el color con barras sólidas de pintura. Las barras son preparadas moliendo el pigmento y añadiéndole algún tipo de cola para aglutinarlo, como en la acuarela, para formar barras de cada color.
El pastel es fácil de utilizar y no tiene los inconvenientes de la pintura al óleo, en el que actúan múltiples factores complejos que alteran el color. Las principales desventajas del pastel consisten en la escasa capacidad de adherencia del color, que se desprende fácilmente, por lo que es recomendable usar pigmentos y colas de alta calidad.
La técnica de pastel requiere de papeles de gran calidad, hechos de fibra con suficiente porosidad para retener el color. El uso del pastel facilita el fondo de color en el papel, lo que le otorga gran versatilidad a los tonos generales de la obra.
Para lograr mayor adherencia, se suele tener que aplicar capas de barniz pero esto puede afectar el color y la luminosidad.

La pintura acrílica

El desarrollo de llamar un imperativo social: la pintura acrílica como medio pictórico se produjo como consecuencia de lo que podríamos
En los años veinte, un grupo de pintores en México en particular, en especial José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera requerían pintar grandes murales en edificios públicos, algunos de ellos en los muros exteriores, expuestos al aire libre. Comprobaron que el óleo no duraría mucho en tales condiciones, y experimentaron con el fresco y otros materiales. Necesitaban de una pintura cuyo secado fuese rápido y permaneciera estable ante los cambios climáticos. En realidad era en el campo industrial donde este tipo de cualidades de la pintura había tenido ya un desarrollo de investigación, por lo que acudieron a las resinas plásticas para probarlas como vehículo para pigmentos. Así comenzó una amplia investigación artística y se creó una resina sintética adaptada como medio artístico: la acrílica.
En los años treinta, el taller de Siqueiros en Nueva York experimentaba con nuevas fórmulas y se vinculaba con una amplia comunidad artística y científica. Numerosos artistas del vanguardismo en los Estados Unidos, vinculados con los muralistas mexicanos, participaban ya del uso de los colores acrílicos como Jackson Pollock, David Hockney, Robert Motherwell, etc. A finales de los años cincuenta era posible encontrar en el mercado de materiales para las artes la pintura acrílica.
En los últimos años han tenido una gran difusión los colores acrílicos o polimerizados. En estos se mezclan los mismos pigmentos que se emplean en el óleo y la acuarela tradicionales, pero aglutinados por una sustancia plástica de resinas acrílicas o de vinilo, o de ambas, que pueden ser diluidas por agua o por un médium acrílico.
Las grandes ventajas de estos nuevos colores son:
· Al secar la capa pintada queda una película impermeable y permanente · Con estos colores pueden ser igualados, y aún superados, los resultados de las técnicas clásicas, puesto que se obtienen las mismas transparencias que en acuarela, las opacidades del gouache y el temple, así como las calidades de consistencia densa y extra-densa del óleo para las técnicas con pincel y espátula.
Estos colores secan rápidamente por lo que permiten superposiciones en un tiempo mínimo y no se cuartean, ni se vuelven amarillos u obscuros como aquellos en que intervienen aceites.
Con ellos se puede pintar sobre soportes de cartón, papel, madera, lienzo, metal, cristal, etc. Con o sin preparación previa, y no es necesario barnizar aunque si así se desea, se podrá llevar a cabo este terminado con el médium acrílico, mate o brillante.

El óleo

Aunque se tienen datos que establecen que los egipcios, preocupados por la permanencia de sus pinturas, conocían las propiedades del la pintura creada a partir de una mezcla de aceite de linaza y pigmentos de colores, el descubrimiento de la pintura al óleo suele atribuirse a los pintores flamencos, en específico los hermanos Van Eyck hacia el año de 1410.
Los artistas buscaban constantemente nuevos métodos y recursos para lograr mayor permanencia para sus obras a lo largo del tiempo ya que algunos colores y luminosidades se perdían con los años. Así, descubrieron que los aceites de linaza y de nueces, mezclados con los pigmentos de color, eran los que mejor secaban sin estirar las telas o maderos preparados sobre los que se realizaban las pinturas. Además, estos eran muy útiles como barnices para, una vez terminadas las obras, aplicar una capa para dar mayores luminosidades y brillo a la pintura.
El descubrimiento de la pintura al óleo provocó una verdadera revolución en las artes y transformó con celeridad las técnicas pictóricas de la época. La ejecución de la obra se realizaba en una tabla con una preparación de yeso y cola, sobre la que se plasmaba el dibujo con tinta, para después aplicar la pintura. Las pinturas al óleo permitieron la permanencia de los colores que daban luminosidad así como la mezcla, desde la paleta, de los distintos colores para generar nuevos sin tener que prepararlos desde un principio.
El óleo tenía como ventajas sobre la técnica del temple que la pintura podía ser almacenada durante días, lo que incluso parecía darle mayor brillantes al color una vez que comenzaba a cristalizar el aceite de linaza; además estas pinturas podían ser mezcladas durante su aplicación y se podía conseguir también cierto relieve en la textura de la obra con capas gruesas de pintura, lo que añadía nuevas posibilidades de aprovechamiento pictórico. Se observaba además que con el tiempo las materias grasas se tornaban transparentes dejando a la vista tenues suavidades de las capas previas.
Sus desventajas eran que la preparación de las mezclas del aceite debían ser muy cuidadosas y en cantidades exactas ya que la suciedad y el exceso de óleo provocaban el obscurecimiento general de la obra o el desprendimiento de capas de pintura.
Sin embargo, los artistas continuaron siempre su investigación para desarrollar sus métodos y técnicas. Les interesó la preparación de los colores, el uso de texturas y la preparación de las tablas o lienzos de tela para garantizar las mejores luminosidades y tonos de los colores, así como la permanencia de éstos a lo largo de los años, o sencillamente dar al resultado de la obra una particular y muy personal definición.

La pintura mural

La pintura mural es sin duda la forma más antigua de la pintura. A lo largo de la historia, y aún en la prehistoria, el hombre se ha expresado de múltiples maneras en forma gráfica. En algunas cuevas de la edad de piedra, donde los hombres vivían y encontraban refugio, podemos encontrar pinturas murales con vivos colores que representan eventos de sus vidas como por ejemplo la cacería: en las cuevas prehistóricas de Altamira en España y las de Lascaux en Francia se pueden ver, en colores vivos todavía, pinturas sobre los muros y techos que representan figuras de hombres con lanzas y animales corriendo.
En el antiguo Egipto, en Grecia y Roma antiguas, en las construcciones precolombinas de centro y Sudamérica, etc. podemos observar pinturas en las paredes de templos y de las grandes construcciones, pinturas con motivos o temas que representan algo importante de las vidas y creencias religiosas de los antiguos pobladores del mundo. En las pirámides y grandes templos de la antigüedad era común encontrar figuras coloreadas que formaban parte integral de la arquitectura.
Durante la Edad Media se generalizó la pintura mural en los templos y mansiones, en donde podemos ver escenas con figuras y paisajes u ornamentos en las paredes, o en las bóvedas del techo para adornar una habitación. La pintura mural llenaba paredes enteras y techos de bóvedas del interior de los templos religiosos, así como de los castillos feudales. Durante el Renacimiento, aún cuando una gran parte de la pintura se realizaba ya sobre telas y madera que podían ser transportados, las grandes cúpulas de iglesias y escalinatas, así como inmensas paredes de los palacios y salones tenían pinturas que mostraban (eventos sociales), temas bíblicos o batallas heróicas.
En México tuvimos un gran movimiento muralista con artistas universales de la talla de Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y muchos otros que se unieron a esta corriente pictórica desde la tercera década del siglo XX.
Las principales técnicas empleadas en la pintura mural: Hay dos técnicas fundamentales en la pintura mural: pintar sobre paredes secas ("a secco" en italiano), y pintar sobre una pared que es tratada con ciertos materiales, que servirán de fondo a la obra, mientras la pared se mantiene húmeda ("a fresco").

Pintura al temple

Los antiguos egipcios desarrollaron una técnica que ahora llamamos "al Temple" que consistía en la preparación de los colores añadiendo al pigmento una mezcla de engrudo o gomas (colas) y huevo. Si la obra debía ser transportada añadían cera con algo de aceite para permitir una mayor adherencia del color al material que serviría de soporte a la obra. Dicha técnica requiere de una gran destreza para aplicarse debido a que los colores no se fusionan bien si estaban frescos aún, en la tabla, muro, objeto o tela en que eran impregnados.
Al final de la Edad Media (durante siglos XIII y XIV), la principal técnica de la pintura la constituía el fresco, que requería múltiples veladuras de temple al huevo. El temple era preparado con clara, yema de huevo, retoños de higuera y agua, todos ellos fáciles de conseguir. A diferencia de estos materiales, los que servían para fabricar los pigmentos eran, en muchos casos, escasos y caros (ver paginas de fabricación del color) ya que provenían de piedras preciosas, plantas o minerales de tierras lejanas.
En este periodo se desarrolla la pintura alusiva a la figura de algún personaje santificado o bíblico, que en lo fundamental era obra relativamente pequeña (de 30 a 50 cm por lado), trabajada sobre una tabla delgada asentada sobre un caballete.
Tales obras podían ser transportadas con cierta facilidad, por lo que se difundió con alguna rapidez entre los señores y las castas nobiliarias el hecho de contar no solo con frescos (murales) en los grandes muros de sus castillos y palacios, sino también con obras enmarcadas y transportables. Si bien en regiones húmedas, el material de la obra sufría graves deterioros en un plazo breve.
Como los colores no se mezclaban entre sí estando aún frescos, se tenían que preparar decenas de éstos para poder dar los tonos, luces y sombras de la obra, o bien se aplicaban sucesivamente tras el secado, decenas de capas de pintura.
Los colores dorados que se observan recurrentemente en temas religiosos o telas y en la joyería de los retratos de la época se lograban aplicando láminas de oro cuidadosamente con un temple de clara de huevo muy fresco. Y lo esparcían con una gema preciosa o un diente grande de animal bien pulido.
La investigación constante de los artistas por encontrar materiales disponibles y que permitiesen además a las obras mantenerse intactas el mayor tiempo posible, así como lograr mayores capacidades de brillantez e intensidad de tonos, permitió, hacia finales del siglo XIII y principios del XIV, descubrir el uso de materiales grasos usados como barnices. Los barnices protegen la obra de las inclemencias del clima al ser aplicados al conjunto de la misma como un recubrimiento final.
Las nuevas mezclas permitían mezclar colores aún húmedos y lograban mayor brillantez al aplicar barnices al finalizar la obra. Esto aumentaba el fervor de los artistas por la investigación permanente de nuevas formas de usar mezclas de aceites vegetales y minerales.

El dibujo a carboncillo

El dibujo a carboncillo. Técnicas, trucos, materiales y consejos

El carboncillo, usado para dibujar desde la antiguedad se obtiene quemando ramas pequeñas de madera, por lo general de viña o de sauce.

En el siglo XVI, cuando se empezaron a usar sustancias fijadoras, el carboncillo sobre papel blanco y azulado era el medio favorito de algunos pintores venecianos como Tiziano y Tintoretto, mientras Guercino era un entusiasta del carboncillo bañado con aceite de linaza, con el que se conseguía un negro más intenso y estable.

Materiales para dibujar a carboncillo

Para iniciarse en esta técnica se necesita:

1. Carboncillo. El tamaño más versátil es el mediano, que sirve tanto para realizar los detalles como para hacer los fondos; no obstante, los finos pueden utilizarse para trabajar en zonas pequeñas y los gruesos para cubrir grandes zonas en poco tiempo.
2. Difumino. Es necesario para suavizar los trazos del carbón e integrarlos con el resto del dibujo; su extremo en forma de punta llega a zonas donde la yema del dedo sería demasiado imprecisa.
3. Goma de carboncillo modelable. Se le puede dar forma y ajustar lo más posible al trazo que se desea obtener.
4. Lápiz Conté negro. Conocido también como crayon Conté, está formado por una mina de carbón vegetal y sustancias aglutinantes protegidas por la madera del lápiz. Puede usarse para dar mayor contraste al dibujo.
5. Paño de algodón. Para corregir trazos nunca debe de usarse una goma de borrar corriente, sino un trapito de algodón, ya que si no, pueden dejarse marcas de grasa sobre el dibujo imposibles de eliminar.
6. Esponja.
7. Papel. Si se utiliza papel de color puede ser conveniente disponer de una tiza blanca para resaltar las luces del dibujo.

Técnicas básicas de carboncillo

• Difuminar el carboncillo: para conseguir el gris deseado, una vez aplicado el carbón, se pasa una esponja, la mano, una brocha o un difumino.



• Aclarar el dibujo a carboncillo: para “sacar luces” se puede utilizar el dedo, un trapo, el difumino si está limpio o una goma modelable.



• Detallar un dibujo a carboncillo: el carboncillo también se comercializa en forma de lápiz, y en esta presentación es más útil para poder dibujar líneas y detalles; si no, puede usarse complementariamente un lápiz Conté.



• Agrisar el dibujo a carboncillo: primero se rellenará con el carboncillo y luego se agrisarán con una esponja las zonas de sombra del modelo. El fondo hay que tratarlo con el difumino o una esponja.

Cómo conservar los dibujos realizados a carboncillo

Los dibujos deben fijarse cuanto antes con un fijador de carboncillo en spray. El fijador no es otra cosa que una capa de líquido pulverizado que, al secarse, forma una película que cubre y protege el dibujo; en su defecto puede usarse laca para el pelo, o azucar disuelto en agua y alcohol, pero siempre es más conveniente utilizar un producto específico.

Se aplica primero una capa ligera a todo el dibujo con el aerosol, y, una vez que esta se haya secado, habrá que repetir el proceso insistiendo sobre las zonas más oscuras del dibujo. Puede hacerse con el dibujo en posición horizontal sobre una mesa o superficie plana, en un tablero inclinado o sosteniéndolo en el aire; si la cantidad pulverizada es la adecuada no habrá diferencia. Si fuera necesario, es posible retocar el dibujo antes de terminar de fijarlo del todo.

Algunos trucos

En ocasiones, los carboncillos tienen pequeños nudos que producen ralladuras involuntarias en el dibujo cuando se utiliza el carbón de lado; este efecto es fácil de corregir pasando un papel de lija por el nudo.




Si un difumino resulta demasiado duro para trabajar, hay que colocarlo sobre una superficie dura y golpearlo para ablandarlo, con un martillo por ejemplo. También puede lijarse la punta para dejarla uniforme

El color

EL COLOR

Teoría del color. ¿Qué es el color?

El mundo es de colores, donde hay luz, hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.

El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.

Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra "COLOR".

Propiedades del color

Las definimos como el tono, saturación, brillo.

Tono (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.

Saturación:(saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color Valor (value) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

Brillo (brightness) es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Luminosidad (lightness) es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

El arco iris, segun los griegos;

El arco iris, tiene todos los colores del espectro solar. Los griegos personificaron este espectacular fenómeno luminoso en Iris, la mensajera de los dioses, que descendía entre los hombres agitando sus alas multicolores.

La ciencia que aplica la experiencia, explica que los colores son componentes de la luz blanca. (luz solar del día o luz artificial). La luz blanca no tiene color, pero los contiene todos. Lo demostró Isaac Newton.

El color luz y el color pigmento

La problemática del Color y su estudio, es muy amplia, pudiendo ser abordada desde el campo de la física, la percepción fisiológica y psicológica, la significación cultural, el arte, la industria etc. El conocimiento que tenemos y hemos adquirido sobre Color en la escuela elemental, hace referencia al color pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura que consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al rojo, el amarillo y el azul. En realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.

El blanco y negro son llamados colores acromáticos, ya que los percibimos como "no colores".

Color de la luz luz, síntesis aditiva

Los colores producidos por luces (en el monitor de nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.) tienen como colores primarios, al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión de estos, crean y componen la luz blanca, por eso a esta mezcla se le denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible.

Color de pigmento, síntesis sustractiva

Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a las superfícies. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por el cual estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a los tradicionales.

La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le agrega negro pigmento conformandose el espacio de color CMYK.

Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como tricomía y cuatricomía se basan en la síntesis sustractiva.